Horizons, in Silvio Wolf’s idea of light
in Luce, quarterly AIDI publishing, Milan 2016
Silvio Wolf’s (1952) research of the expressive, cognitive, perceptive and analytic potentiality of art is not new to LUCE readers – n. 295/2011, “Sulla soglia della percezione. Silvio Wolf al PAC di Milano” (On the threshold of perception. Silvio Wolf at PAC, Pavilion of Contemporary Art, Milan). However, on the occasion of the exhibition held in September 2016 at Fondazione Antonio e Carmela Caldera in Vacciago di Ameno (Novara), the author was remotely confronted with the aniconic paintings of Antonio Calderara for the first time.
The title of the exhibition, curated by Cristina Casero, provides an interpretation of the fatal encounter of Calderara’s paintings and Wolf’s abstract photographs generated by light – both attracted by the idea of representing a threshold, a point of origin where the invisible, intangible, becomes visible, with suprasensitive shapes, mental images which however have different outcomes.
The authors investigate stages in the configuration of “landscapes” that dissolve in the light, and unexpected perspectives and minimal formal solutions, solved in structures that can return an abstract synthesis of the sensitive world. The threshold, the boundary between the real and the imaginary perceptive horizon, is a formal requirement that involves a constant redefinition of the relations between a line, composition, colour and intensity of light in painting as well as in photography, with the aim of pushing the spectator’s glance beyond what can be perceived, through works with a strong visual impact. In particular, Wolf’s photographs from 2000 to date, paradoxically appear an instant before the photograph is shot, before the action, like the representation of a reality that although denied, is still included, and is evoked in the inscriptions of light that are selfgenerated by means of a mindful use of the photographic equipment, with results that go well beyond the artist’s will. His Horizon “is a scrap of the photographic process, the initial segment of the film, developed together with the entire strip of sensitive material to reveal all the exposed images” as described by Wolf. In fact it is a process that takes place in the darkroom with the aim of writing actions of light, attributing the paternity of the images not to the shot but to the sense of the photographic object itself. The subject therefore is not so much the way of producing the photographic image as much as the language, the code, the referent meaning that it contains in its sensitive display, seen in apparitions, icons of immanent light, within space and time, through a hypnotizing energy with bright tonalities. His inscriptions of light, time, shape, matter and substance configure the analytical thought regarding the absence and presence of what is real, they are purposely ambivalent in order to configure a boundary between photographic objectivity and abstraction. In Wolf’s artistic research , the idea of absence is recurrent, of emptiness as in the Zen philosophy, a regenerative, dynamic concept, in which light becomes an image, an instrument to overcome the limits of the visible and the invisible , where horizons in their magmatic chromatism are manifested, threshold states between darkness and light, being and non-being, space and time.
His inscriptions of light materialize the perceptive experience and go beyond the contemplative aspect to generate emotional and cognitive sensations together, because everything happens the moment one looks at them. Through photographs, that are conceptual objects, the possible relations not of things, but of the signifier and the signified as Saussure would define them, are investigated.
Icone di Luce (icons of light) and other works of the end of the 90s, already rotated around the creation of images through light, anticipating the subsequent researches of the light boxes Black & Blue (2009), Light House (2009) and Stelle Braille (Braille stars,1991) the installation
in which light projections are inspired by the language for the blind, because they cannot see light, but imagine it, they perceive mental flashes beyond the darkness, while we do not. These images lead to the articulation of reflections regarding the capacity to go beyond images and areas of what is visible, with signs, segments, blades of blinding white light that cut across the darkness as can be seen in Skylight 08 (2002), thrusting our view inside daring unusual perspectives which take the form of sculptures, at the same time real and ethereal luminous objects, concrete and symbolic thresholds of metamorphic perceptions of the space in which they are integrated, that define hermeneutic horizons, to be experienced rather than described.
By shifting one’s attention to the original moment of the photograph, Wolf raises the question: which was born first, the light or the photograph? And in the synthesis of the thought and action, both real and imaginary, light becomes a display of life.
La ricerca di Silvio Wolf (1952) intorno alle potenzialità espressive, cognitive e percettive e analitiche dell’arte non è una novità per i lettori di LUCE (n.295/2011, “Sulla soglia della percezione. Silvio Wolf al PAC di Milano”), ma l’autore in occasione
di una mostra tenuta a settembre del 2016 alla Fondazione Antonio e Carmela Calderara a Vacciago di Ameno (Novara), per la prima volta si è confrontato a distanza con la pittura aniconica di Antonio Calderara. Nel titolo dell’esposizione a cura di Cristina Casero c’è una chiave di lettura dell’incontro fatale tra la pittura di Calderara e le fotografie astratte generate dalla luce di Wolf, entrambi sono attratti dall’idea di rappresentare una soglia, il punto d’origine in cui l’invisibile, l’inafferrabile diventa visibile, con forme sovra-sensibili, immagini mentali seppure giungendo ad esiti diversi.
Gli autori investigano stadi di configurazione di “paesaggi” dissolti nella luce, a prospettive inattese e soluzioni formali minimali, risolte in strutture capaci di restituire una sintesi astratta del mondo sensibile. La soglia, il confine tra orizzonte percettivo reale e immaginario è un presupposto formale che comporta una costante ridefinizione di rapporti tra linea, composizione, colore e intensità luminosa sia in pittura che nella fotografia, con il fine di spingere lo sguardo dello spettatore oltre il percepibile attraverso opere di grande impatto visivo. In particolare le fotografie di Wolf realizzate dal Duemila ad oggi, paradossalmente, vengono alla luce un momento precedente rispetto allo scatto, prima dell’azione, come una rappresentazione della realtà che seppure negata la comprende, la evoca nelle sue scritture di luce autogenerate grazie all’uso consapevole del mezzo fotografico con esiti che si spingono ben oltre la volontà dell’artista. Il suo Orizzonte “è uno scarto fotografico, lo spezzone iniziale della pellicola assieme all’intera striscia materiale sensibile, per rivelare tutte le immagini impresse”, scrive Wolf, in effetti, si tratta di un processo che avviene in camera oscura con l’obiettivo di scrivere azioni di luce attribuendo la paternità delle immagini non allo scatto, ma al senso dell’oggetto fotografico in sé. Il soggetto diventa quindi non tanto il modo di produrre l’immagine fotografica, quanto il linguaggio, il codice, il referente che essa contiene nella sua manifestazione sensibile risolta in apparizioni, icone della luce immanenti, dentro lo spazio e il tempo, dall’energia ipnotizzante con tonalità accese. Le sue scritture di luce, tempo, forma, materia e sostanza configurano il pensiero analitico intorno all’assenza e presenza del reale, volutamente ambivalenti per configurare un confine tra oggettività fotografica e astrazione. Nella ricerca artistica di Wolf è ricorrente l’idea di assenza, di vuoto nel senso Zen come concetto rigenerativo, dinamico, in cui la luce diventa immagine, strumento di superamento dei limiti tra il visibile e l’invisibile, in cui si manifestano orizzonti nel loro magmatico cromatismo, stati di soglia tra il buio e la luce, l’essere e il non essere, lo spazio e il tempo. Le sue scritture di luce materializzano l’esperienza percettiva e superano l’aspetto contemplativo per generare sensazioni emotive e cognitive insieme, perché tutto accade nel momento in cui le si guarda. Attraverso la fotografia, oggetto concettuale di per sé, s’indagano i rapporti possibili non di cose ma tra il significato e significante come direbbe Saussure. Già Icone di Luce e altri lavori della fine degli anni Novanta ruotano intorno alla creazione dell’immagine mediante la luce e anticipano le ricerche successive dai light box Black & Blue (2009) e Light House (2009) e Stelle Braille (1991), l’installazione nella quale le proiezioni luminose sono ispirate al linguaggio dei non vedenti, perché loro non la vedono, ma la immaginano, percepiscono bagliori mentali oltre il buio, mentre noi no. Queste immagini strutturano riflessioni sulla capacità di andare oltre l’immagine e di strutturare luoghi del visibile con segni, segmenti, lame di luce bianca abbacinante che fendono il buio come si vede con Skylight 08 (2002), spingono il nostro sguardo dentro a prospettive ardite inusuali e diventano sculture, oggetti luminosi reali ed eteree insieme, concrete e simboliche soglie di percezioni metamorfiche dello spazio in cui si inseriscono, che definiscono orizzonti ermeneutici tutti da esperire più che descrivere. Wolf spostando l’attenzione sul momento originario dello scatto, ci pone una domanda: nasce prima la luce o la fotografia? E nella sintesi tra pensiero, azione, reale e immaginario, la luce diventa manifesto di vita.